FORMATOS Y FORMAS DE LA IMPROVISACIÓN

Es importante tener en cuenta que la improvisación es un proceso y que el resultado que ésta genera cuando es compartida con el público, sufre una transformación ya establecida de manera teórica y práctica por directores como Spolin o Johnstone; esta transformación está asentada de manera teórica desde su propio nombre, es por eso que el medio del teatro de improvisación, especialmente en Latinoamérica, ha enfatizado en que sí existe una diferencia entre improvisación  e Impro, y que esta última, como poética teatral, no se amaña en un solo estado, ya que no todo lo que se improvise en una escena frente al público cabe en la misma categoría. Existen diferentes formatos en el mundo, aquí algunos de los más importantes:

FORMATOS CORTOS

En los formatos cortos, los juegos, los desafíos y la metáfora del deporte se hacen más evidentes en improvisaciones rápidas que pueden durar entre diez segundos y diez minutos. Por lo general estos formatos son cómicos, ya que el espectáculo se realiza con el objetivo de entretener al público, lo que genera una cierta vulnerabilidad del actor ante algo que aún está por hacerse. Esta vulnerabilidad es cómica por esencia, pues lleva la posibilidad latente del error, de la exposición, del ridículo. Como lo sustenta Munis (2010): “la vulnerabilidad por la aceptación del fracaso forma parte de la trayectoria técnica y artística del payaso y es una de las características que lo fundamentan, así como lo es en la improvisación” (6). Otra particularidad que acerca los formatos cortos al humor es la precipitación de la acción dramática. La corta duración de las improvisaciones en los formatos cortos, “hace que la historia y su desarrollo se den de manera precipitada, sin una vinculación causal creíble entre los acontecimientos” (6). Los formatos cortos más conocidos son precisamente los que convirtieron la Impro en un género masivo en el planeta. Entre los más importantes se encuentran:

Teatro Deportivo

Además de teorizar los mecanismos para aprender a improvisar de una forma libre, espontánea y real, Keith Johnstone comenzó una búsqueda por la construcción de una dramaturgia improvisada, con la existencia de un conflicto y de una posible unidad de acción. Para esto realizó una serie de experimentaciones con su grupo The Machine en los años sesenta. Su desafío consistía en crear historias frente a un público a partir de premisas técnicas y sin la presencia de elementos verbales o corporales prestablecidos. De esta manera nació el Theatre Sports (Teatro Deportivo), un espectáculo híbrido entre el teatro y el deporte que involucró de lleno al público, atrajo a muchas personas y acaparó la atención de aquellos que nunca asistían a las salas de teatro. Este innovador formato se convirtió en un género muy reconocido, desde entonces ha ido en creciente formación en muchos lugares del planeta.  Su  estructura se basa en un jurado experimentado que califica a dos equipos de improvisadores enfrentados en una escena teatral con reglas deportivas, donde los espectadores sugieren hasta los mínimos detalles de la improvisación. Es un juego que se guía gracias a la aceptación de las propuestas propias y del otro, generando la posibilidad de interpretar historias irrepetibles y una cierta recuperación del espíritu lúdico de la teatralidad.

Match de Improvisación

El Teatro Deportivo comenzó a ser practicado en varios países de occidente, especialmente en Canadá, donde pasó por una gran reformulación que dio origen en 1977 al Match de Improvisación, un formato creado en Montreal por los actores Robert Gravel e Yvon Leduc, quienes al ver que la gente asistía mucho más a los estadios de Hokey (Deporte nacional canadiense) que al teatro, decidieron crear un juego parecido al de Johnstone pero con reglas mucho más cercanas al deporte. Desde los uniformes hasta la forma cómo se determinaban los rangos al interior de los equipos, marcaron este llamativo formato teatral.

El Match se diferencia del Teatro Deportivo porque los equipos están conformados por mayor cantidad de jugadores (cinco o seis, en el Theater Sports son dos o tres) un árbitro y dos jueces de línea controlan el normal desarrollo del juego y el público con su voto decide el resultado de la contienda. El Match es en la actualidad el formato de Impro más practicado alrededor del mundo. Las ligas más reconocidas están en Europa y Norteamérica, en Latinoamérica se destacan las ligas de Argentina, México, Perú, Brasil y Colombia. Anualmente se realizan encuentros, campeonatos y festivales internacionales de Impro donde los equipos se disputan la copa del Match en diferentes idiomas. En Colombia se han realizado encuentros locales, nacionales e internacionales de este juego.

Catch de Impro

A finales de los noventa la compañía Inédit Théâtre de Francia, creó el Catch de Impro, un formato inspirado en la lucha libre. Lo que diferencia al Catch de los demás formatos deportivos es que les da a los actores más libertad; las reglas y los equipos tienen un aire más teatral que deportivo y sus derechos han sido liberados, contrario a lo que sucede con el Match o el Teatro Deportivo, por los que las compañías pagan derechos de autor. Esto último ha hecho que el Catch se difunda con gran rapidez por América y Europa en los últimos años. Inclusive algunos festivales que anteriormente convocaban a campeonatos internacionales de Match de Improvisación, ahora lo hacen a través de campeonatos de Catch de Impro.

Pidatemas

Otro de los formatos más comunes en la Impro es el llamado Pidatema, donde los improvisadores desarrollan historias a partir de un tema que sugiere el público, sin ningún tipo de preparación ni reglas. Gustavo Caleti (2009) asegura que las variantes de esta estructura ya clásica, “abarcan desde espectáculos informales que se montan en bares hasta obras de profundo desarrollo escénico y narrativo que cruzan las propuestas del público con estilos complejos y temáticas históricas, cinematográficas, literarias, entre otras” (36).

Los Pidatemas más comunes son aquellos que utilizan estilos cinematográficos y televisivos como detonantes para las historias improvisadas, lo que los convierte en muchas ocasiones en espectáculos parodia, lo cual genera una aceptación inmediata en el público que generalmente busca en ellos un espacio para reír. Normalmente una compañía de Impro llega a construir Pidatemas luego de experimentar en los formatos competitivos, en procura de crear improvisaciones con mayor libertad y sin reglas que permean las ideas espontáneas de los improvisadores. En este tipo de formatos por lo general no hay reglamentos de ningún tipo, el  público no elige ni vota por nadie y por lo general no existe una figura de juez o director. No obstante hay compañías muy ligadas a los conceptos básicos de Johnstone que realizan Pidatemas bajo la supervisión evidente de un director que guía la escena frente al público. Pero aun en estos casos la libertad interpretativa del improvisador se hace mucho más evidente que en un formato competitivo.

Juegos de Impro

Entre los formatos cortos se encuentran también aquellos que llevaron la Impro a la televisión a través de juegos que surgieron en su mayoría del Teatro Deportivo de Johnstone y los entrenamientos de Spolin. Tal es el caso del programa Whose Line is it Anyway, que comenzó como un programa de Impro radial en Gran Bretaña y tuvo tanto éxito que al poco tiempo ya hacía parte de la programación de grandes canales a nivel mundial como: Channel 4 (Inglaterra), Warner Bros y Sony Entertainment Television (USA).

Este formato que tiene en su estructura a un cierto número de improvisadores que crean historias cómicas a partir de condiciones dadas por un presentador, se extendió por más de veinte países alrededor del mundo. En Colombia el intento de llevar la Impro a la televisión no tuvo buenos frutos, dos programas en el año 2011 intentaron acaparar la atención de la teleaudiencia pero no lo consiguieron: Los Impredecibles del Canal Caracol, con el elenco de Acción Impro; y Se Le Tiene, con un elenco de actores de televisión dirigidos por el improvisador argentino y director de la LPI (Liga Porteña de Improvisación) Ricardo Behrens.

Los juegos masificaron la Impro a otro nivel, la convirtieron en una moda en países como Brasil y Chile, donde las compañías dieron un salto a la fama e inspiraron a la creación de nuevos grupos que basan su trabajo en este único formato, con espectáculos similares que buscan únicamente hacer reír a su público con ejercicios de espontaneidad, agilidad mental y habilidades narrativas o musicales.

FORMATOS LARGOS

Estos son los formatos que sirven como punto de partida para la construcción de las improvisaciones dentro de la dramaturgia compartida, ya que se caracterizan por buscar improvisaciones donde una de las premisas más importantes es la posibilidad de extender la acción dramática. Por lo general también indagan por una conexión más fuerte entre el improvisador-actor y el improvisador-dramaturgo, lo que produce resultados cercanos a un leguaje más teatral y totalmente alejado de los formatos deportivos. Esta investigación de la técnica a otros niveles, que ahonda en el campo de la acción y la estructura dramática, le pertenece a cada compañía en su búsqueda particular por la construcción de personajes con más profundidad y la creación de historias con una duración no menor a los diez minutos, lo cual le da el nombre de Long Form o formatos largos.  

Independientemente de la búsqueda particular de quien asume un formato largo, su finalidad hipotética es crear una obra de teatro improvisada. Su principal obstáculo radica en dar el paso al discurso dramático improvisado y no en la construcción de la historia como tal. Normalmente estos formatos son tan particulares en cada compañía que hasta el momento no existen muchas categorías definidas, excepto el Harold, que parece ser el antecesor de muchas otras investigaciones, principalmente en el continente americano.

Harold

Es uno de los formatos largos más comunes en la Impro, fue desarrollado por el actor estadounidense Del Close y su compañía ImprovOlimpic de Chicago. El Harold es una conjunción de escenas, juegos y monólogos. Caleti (2009) lo describe como “un espectáculo en el que se desarrollan tres escenas de manera independiente que se interrumpen siempre antes de resolverse, para luego retomarlas en otras escenas o en algún monólogo que realiza alguno de los improvisadores en el medio” (32). El objetivo del Harold es establecer al final de la sesión, el mayor número de conexiones entre los diversos acontecimientos que se dieron en las escenas y los juegos (32). En esta estructura la primera regla es que no hay reglas, podría decirse que el Harold es el padre de los formatos largos en la Impro, que comparten con él la construcción de historias extensas y por lo tanto más complejas que las que se desarrollan en los formatos cortos.

La mayoría de los Harold que se presentan en la actualidad en Latinoamérica, buscan una reformulación propia del grupo que los monta, es decir, hablan del lenguaje en el cual se encuentra la investigación del elenco. Regularmente una compañía de Impro comienza su proceso por formatos cortos: juegos de Impro o algún formato competitivo; pero luego con el tiempo los improvisadores, de manera natural, comienzan a querer sacar más material en la escena, especialmente cuando son actores y sienten el afán de expresar con la Impro aquellas cosas que se expresan con el teatro de texto.  El Harold es el formato que más los acerca a esta solución, pero en definitiva tiene un límite interpretativo que establece el desarrollo de la trama a la organización propia del formato. De esta manera una historia en un Harold se observa con una mirada crítica que se ensaña en ver cómo los improvisadores unen los indicios y las escenas que dejan abiertas en cada una de sus secuencias, pero no en qué y cómo accionan o elaboran su discurso los actores. Es por esto que la dramaturgia compartida pretende ir un paso más allá, entregándole a la Impro la posibilidad de no preocuparse por la historia y sí por la manera como ésta es contada o interpretada; como si la dramaturgia compartida fuera un Harold establecido con textos de autor y con una postura clara frente al texto escénico y pre-escénico por parte del actor.

Dramaturgia compartida y formatos experimentales

Con el paso del tiempo los grupos más antiguos de Impro tienden a huir de los formatos, a no repetir más lo que otras compañías ya hacen, inclusive porque ya en su repertorio tienen montajes que siguen este camino. Acercar la Impro al teatro de texto genera formas diferentes de enfrentar la escena improvisada, en mi caso particular, gracias a la relación directa con los estudios en dramaturgia, he llevado a cabo una investigación todavía en proceso a la que he llamado Dramaturga Compartida, que a grandes rasgos busca combinar la dramaturgia de autor con la dramaturgia del actor en convivio con el público, o sea, se trata de una obra de teatro cuya estructura tiene textos escritos, preestablecidos, pero también escenas abiertas cuyos textos y trama son improvisados por los actores, muchas veces guiados por estructuras dramáticas o mapas llamados Protocolos, en los que los improvisadores-dramaturgos saben lo que va a pasar pero desconocen el cómo.

La dramaturgia compartida no se basa en una estructura improvisada en su totalidad, se vale de la Impro como herramienta para la construcción de ciertos vacíos puestos intencionalmente que necesitan resolverse en escena por los actores improvisadores en presencia del público; es como una pintura con un gran paisaje que puede ser re-pintado por otros sujetos. Pero pintar no es fácil, es posible que el paisaje que ya está contenido en el cuadro por sí solo constituya un todo, dos o tres pinceladas pueden acabar con su significado y desvalorizarlo como obra de arte, o pueden revalorizarlo y darle un nuevo sentido. Lo que pretende la dramaturgia compartida es que las pinceladas, que para el caso son las improvisaciones, le den un valor contundente que le permita múltiples interpretaciones en las escenas vacías y provoque aperturas significantes que hablen más a profundidad, que se arriesgue y genere opinión a través de la manipulación a la que está descaradamente abierta.

Teniendo en cuenta la demanda de esta propuesta, es vital que los actores que van a intervenir la escena vacía tengan las bases técnicas para hacerlo, que sepan cuál es el ángulo, el color y la forma de la transgresión a la que se verán motivados. 

                                              PASSAGEIRO - Dramaturgia compartida. Sintra Portugal - 2017